« Ne reste que l’évasion, la fuite. La dignité, quoi qu’il advienne. » La phrase est crayonnée sur un mur rugueux, blanc cassé, accompagnant de magnifiques photographies de paysages non définis. Des espaces à la fois incertains et lumineux, tels des boussoles naturelles. Cette réflexion sur l’exil est le fruit d’une correspondance entre le photographe Jean-Michel André et l’auteur Wilfried N’Sondé, une quête poétique, digne et non linéaire sur la migration et ses frontières naturelles, que Wilfried N’Sondé définit ainsi : « Tracés artificiels et sinistres flétrissures de l’horizon… Qui ignore encore que l’homme est entité debout, en mouvement perpétuel ? Ces barrières infligées à la Terre lacèrent la course des vents et donnent à leurs souffles des accents funèbres ». Ce traitement poétique d’une dure réalité, volontairement non frontal, aux couleurs douces et apaisantes, effaçant la notion de lieu ou date, constitue l’un des jalons très réussis d’un des fils rouges des Rencontres de la photographie d’Arles, visible à Croisière sous l’intitulé Borders.
On retrouve un esprit similaire dans le projet Les Chants de l’Asphodèle de Mathias Benguigui et Agathe Kalfas, présenté à la Fondation Manuel Rivera-Ortiz. Ce travail puissant mêlant également textes et images a pour cadre Lesbos, cette île grecque où l’histoire mouvementée ne date pas d’hier, tableau de vagues migratoires depuis l’Antiquité et récemment mise en valeur par la nomination de ses habitants au Prix Nobel de la Paix pour le secours porté aux réfugiés. Malgré l’ultra médiatisation dont fait l’objet Lesbos, la relecture poétique des deux artistes permet de poser un nouveau regard sur l’île, devenue selon eux le miroir du Champ de l’Asphodèle, ce lieu mythologique des enfers mentionné dans l’Odyssée, où les âmes n’ayant commis ni crime, ni action vertueuse séjournent sans but et patientent éternellement. Tout comme Jean-Michel André et Wilfried N’Sondé, les artistes naviguent aux frontières du documentaire et de la fiction, incorporant traces du passé, récits mythologiques et mémoire collective de la migration, résultant en une histoire à la fois universelle et intemporelle.
Ce lien entre réalité sociale et poésie est également au centre du travail de la jeune luxembourgeoise Lisa Kohl, lauréate du prix stART-up studio de l’Œuvre Nationale de Secours Grande-Duchesse Charlotte et exposée dans la Chapelle de la Charité. Elle y combine trois projets cohérents qui, ensemble, deviennent plus que la somme de ses parties. Des blocs de béton encadrent des caissons lumineux projetant deux séries dans la nef latérale de l’église: Passage consiste en des images d’un sol poussiéreux mêlé de traces de pas et de véhicules, prises à la frontière américano-mexicaine. On y devine un mélange entre espoir et répression, faiblesse et force. Dans Shelter, de l’autre côté, on découvre des formes humaines dans les images rétro-éclairées. Humaines, mais drapées, enveloppées, fixes ou en mouvement. Des marginaux dans leur monde, s’échappant de notre monde, sur les plages de Los Angeles. Ici encore, pas de jugement ni d’explication. Au plafond s’affiche ce qui est sans doute l’une des plus impressionnantes œuvres de ces Rencontres, un mapping vidéo ultraprécis de son film Haven représentant des vagues en mouvement dans une ambiance sonore angoissante. Une œuvre quasi hypnotique. L’exposition s’intitule Erre et convoque des sentiments mêlés de tristesse, d’incompréhension, d’espoir, de renouveau, d’absence, d’invisibilité ou encore de peur. Surtout, on touche à tout ceci dans les interstices, dans la lumière s’échappant des images, dans le béton les entourant, dans les mots absents mais qu’on devine, et au final dans la dimension sacrée bien que désacralisée du lieu.
L’autre proposition luxembourgeoise, exposée dans le même lieu, émane de Daniel Reuter et son projet Providencia, selon le nom d’un quartier de Santiago du Chili. La scénographie de l’exposition, ici aussi remarquable, emprunte la forme d’un kiosque moderniste hexagonal et transparent s’inspirant du quartier, où sont accrochées une douzaine d’images grand format, sur aluminium. Comme on ne peut pas accéder au centre de ce kiosque, on est obligé de regarder la moitié des images à travers le plexiglas et ses inévitables jeux de reflets et transparences, comme si l’on se trouvait dans une ville. Pour ce travail, Daniel Reuter a pour la première fois utilisé en partie la couleur, mélangée à des images en noir et blanc se situant sur une ligne temporelle ou topographique différente (certaines photographies ont été prises dans le désert d’Atacama). Ce travail met en perspective le déclin d’une certaine architecture pensée comme optimiste et devenue poussiéreuse, voire décrépie, qu’on peut rapprocher de l’histoire politique chilienne, désenchantée. L’installation permet cette mise en regard, faisant apparaitre la dimension poétique d’un lieu coincé entre un passé compliqué et un futur incertain.
Il est intéressant de noter que les expositions décrites jusqu’ici font partie du programme Arles Associé, réalisées en collaboration avec des associations diverses (dont Lët’z Arles pour la présence luxembourgeoise). La force de ces propositions associatives est de bon augure pour un festival à la croisée des chemins, après une année blanche et un changement de direction (Christoph Wiesner ayant remplacé Sam Stourdzé parti à la Villa Medicis). On ressent clairement une évolution, et pas seulement dans l’identité visuelle. La nouvelle équipe s’est inspirée de l’édition 2020 avortée pour redessiner des Rencontres un peu moins denses, un peu plus humaines, voire plus urgentes par certains aspects. On imagine que la tâche d’organiser un festival en pleine pandémie a dû être ardue, et le résultat est globalement positif tout au long de la trentaine d’expositions présentées, loin du programme gargantuesque de 2019.
Si on a apprécié certaines nouveautés, dont l’occupation de nombreux jardins et espaces publics ou encore le recentrage du prix découverte dans l’église des Frères-Prêcheurs, on a également été relativement déçu par certaines expositions phares : la scénographie des portraits de Pieter Hugo qui aurait mérité d’être moins terne, la mise en scène très (trop ?) didactique de plusieurs propositions (on pense à Orient-Express & Cie, Jazz Power ! et même la rétrospective consacrée à l’attachante Sabine Weiss, très classique), ou encore la relative vacuité de l’exposition The New Black Vanguard et ses poncifs du style « la couleur est l’une de mes principales sources d’inspiration », où tout le monde est jeune et beau (et noir, vous l’avez compris). On comprend la volonté de présenter des travaux centrés sur l’identité et le genre, et l’initiative est évidemment à la fois louable et nécessaire, mais on a surtout l’impression qu’Arles coche via cette expo une case pas forcément en lien avec son ADN. Dans ce thème identités / fluidités, on aura préféré l’exposition fleuve (et par moments un peu indigeste – plus de cinquante artistes y sont présentés) Masculinités organisée par le Barbican Centre londonien, entre pouvoir, patriarcat, stéréotypes, homosexualité et de nombreux autres thèmes, où la commissaire Alona Pardo nous montre comment la masculinité a été codée, interprétée et construite socialement dans le cinéma et la photographie lors des cinquante dernières années. Cette exposition seule mériterait une page entière vu la richesse et la diversité des propositions, avec des travaux notamment de Thomas Dworzak, Sunil Gupta, Karen Knorr, Richard Mosse ou encore Wolfgang Tillmans.
L’éclair de génie de cette 52e édition des Rencontres provint toutefois de l’époustouflante exposition Thawra ! Révolution ! originellement prévue en 2020 et présentée dans l’église des Trinitaires. Une proposition aux frontières du photojournalisme, de l’art, de la musique et de la poésie, regroupant les travaux de huit jeunes soudanais magnifiquement mis en scène par la photographe Juliette Agnel et l’une des artistes exposées, Duha Mohammed. On se plonge dans l’histoire du soulèvement populaire de 2018-2019 au Soudan, faisant suite à la chute d’Omar Al-Bachir et trente ans de dictature religieuse et militaire. Les huit photographes exposés, certains totalement amateurs, ont chacun choisi un angle et bravé les dangers pour nous rendre témoin d’un aspect de ce soulèvement ayant rassemblé des milliers de personnes dans les rues de Khartoum, provenant de toutes les régions du pays. À force de persévérance et dans un élan populaire, à coups de transe musicale tantôt hip hop, tantôt techno, en frappant les rails de chemin de fer à coups de pierres jusqu’à obtenir un rythme obsédant, le peuple soudanais arrache aux militaires l’instauration d’un gouvernement citoyen tout en accouchant d’une scène artistique. Le clou de cette narration visuelle et sonore est l’incroyable film Sudan Revolution Stories tourné par la cinéaste franco-tunisienne Hind Meddeb, focalisé sur les douze derniers jours du sit-in démocratique de Khartoum demandant la passation du pouvoir aux civils. On y voit l’ampleur du mouvement, son inventivité, sa dimension féministe. On y comprend la frustration de tout un peuple, les rêves guidant ses pas et le foisonnement de la poésie, des mots chantés, récités, slammés comme une arme de résistance. Une œuvre remarquable située au milieu de l’espace d’exposition et faisant le lien entre tous les travaux photographiques qui l’entoure.
Arles 2021 est également synonyme d’ouverture de la tour Luma au Parc des Ateliers, une ancienne friche ferroviaire où dialoguent la tour futuriste et torsadée imaginée par Frank Gehry, sept anciennes usines issues du patrimoine industriel du 19e siècle et un parc conçu par l’architecte paysagiste belge Bas Smets. Le moins que l’on puisse écrire est que la tour aux 11 000 facettes tranche dans cette ville romaine, tel un anachronisme assumé. On y retrouve une sélection d’œuvres d’art en tous genres au sein d’expositions permanentes et provisoires, dont certaines font la part belle à la collection privée de Maja Hoffmann, mécène du projet. La dimension mégalomaniaque de la tour et de sa commanditaire n’est jamais très loin au vu de l’espace, du vide, de certains noms ronflants (on retrouve des salles dédiées à Diane Arbus et Annie Leibovitz notamment au sous-sol) et du nombre d’employés déployés à l’intérieur. C’est néanmoins un lieu au potentiel immense qui devrait vite trouver sa vitesse de croisière une fois les petits défauts corrigés (la signalétique y est par exemple particulièrement mauvaise). Au niveau des œuvres, c’est l’occasion d’y voir dans de très bonnes conditions ce qui est sans doute l’un des chefs d’œuvre de ces dernières années, Lion d’Or de la Biennale de Venise 2011, The Clock de Christian Marclay, film kaléidoscopique captivant de 24 heures, composé de milliers d’extraits de films du monde entier où l’heure apparaît sous forme d’horloge, de montre ou de dialogue. Un travail de fourmi fascinant sur le passage du temps, synchronisé avec l’heure locale, peut-être l’hommage ultime au cinéma.